[Ciné/Docu/TV/Streaming] C'est Michael Bay et Don Draper qui rentrent dans un bar

Furiosa – A Mad Max Saga

★★★★ En bon adepte du journalisme total, je suis allé voir Furiosa mais ❶ en IMAX et ❷ en Australie. Rep’ à ça, Hideo ! On ne peut pas dire que le public australien soit particulièrement patriotique (en tout cas en semaine) car la salle était aux trois quarts vides, comme partout ailleurs. À chaud, j’ai bien aimé (comme souvent). À froid, je suis généralement plus difficile, mais j’en garde toujours un excellent souvenir.

C’est un film très comparable, dans ses ambitions, ses défis et son résultat au Box Office (gloups) à Solo – A Star Wars Story. Même le titre est similaire !

Dommage, car Furiosa réussit grosso modo là où Solo avait échoué : il étale mieux les origines sur une quinzaine d’années qui permettent de comprendre et surtout de croire comment le perso en est arrivé là dans Fury Road (le Mad Max précédent qui introduisait le personnage de Furiosa), tout en rajoutant des trucs intéressants au lore de la franchise, et avec un écart de talent moins évident entre les deux actrices – même si ATJ n’a clairement pas le charisme de Charlize.

Comme Fury Road, Furiosa a des petits problèmes de structure, et la dernière séquence ne vaut bizarrement pas les morceaux de bravoure qui la précèdent ; j’aurais même tendance à dire que le climax du film arrive bien trop tôt. Comme Fury Road, ça donne quand même trois séquences d’action et de voltige époustouflantes, a fortiori en IMAX. J’avais dormi une heure dans l’avion et peur de m’effondrer pendant la séance → que nenni.

C’est 20% moins bien que Fury Road, mais n’est-ce pas suffisant pour apprécier d’avoir plus de Fury Road dans nos vies ? Bien sûr que si !

Sinon, sponsorisé par Airbus :

All of Us Strangers

★★⭐︎⭐︎ Oh la la, c’est déprimasse les patatas. @iggy , tu m’avais donné envie de le voir. Je t’avoue que je ne me suis pas vraiment senti concerné par le film et les différentes angoisses de son protagoniste, mais je comprends que je ne suis pas le public, à bien des points de vue, et donc je n’en veux pas au film.

Je suis surtout soulagé (je prends un risque, il reste cinq minutes) que le film ne finisse pas sur un twist à la con du genre le BF était un fantasme tout du long, comme je le craignais à la moitié du film… (cinq minutes plus tard) Oh… Mais sinon, excellent casting, et j’apprécie que le film soit d’ailleurs si ramassé à tous points de vue (casting, lieux, temps, métrage).

Détail qui m’a consumé tout le restant du film : un pré-ado de 1987 aurait vraiment Welcome to the Pleasuredome dans sa collection de disques ? Le mec a raté sa carrière de Disc Jockey sur Radio 4.

The Iron Claw

★★★⭐︎ Autre film pas joie-joie dans l’absolu mais bien plus pittoresque et parfois même cocasse de par l’univers concerné, cette fresque « inspirée d’une histoire vraie » sur une famille de catcheurs professionnels américains texans au début des années 80, célèbres chez les aficionados de catch autant pour le talent de la troupe (un père et quatre frangins) que pour les déboires invraisemblables qui ont frappé la famille sur le chemin de la gloire.

Je connaissais, dans les grandes lignes, le fil rouge des mésaventures de la réelle famille Von Erich qui a motivé A24 à en financer un film. On ne peut pas dire que le catch soit le divertissement athlétique le plus subtil qui soit, et le film est au diapason avec ❶ une bande-son qui n’évite aucun gros tube rock de la période 1979〜1988 ❷ un scénario qui adresse toutes les transformations de la société US de l’époque et ❸ une équipe des costumes et des postiches qui s’en donne à cœur-joie. Faut donc se lancer dans le film en acceptant le sujet et ses gros sabots.

Mais à l’instar de la boxe, le monde du catch (a fortiori à son époque « régionale » précédant l’hégémonie de la WWE) est un univers qui se prête particulièrement bien au grand écran, grâce à la grande précarité de son milieu, l’équilibre bizarre entre camaraderie et compétition de ses acteurs, son ancrage dans l’Amérique rurale ouvrière de droite qui s’est foutue en l’air avec Reagan, et la toxicité masculine implicite du milieu. On touche à un truc vrai sur l’Amérique avec ces matches chiqués.

Il y a quelques mois, je me suis retrouvé (sans trop savoir pourquoi) invité au mariage d’une connaissance professionnelle californienne, et j’ai ainsi découvert qu’à l’exception d’un frangin rebelle, les deux familles étaient clairement Republican, mais dans tout le spectre du camp politique concerné : des familles riches venues des Blue States, des agriculteurs qui ne voulaient pas qu’on leur prenne leurs fusils, ou le vétéran probablement Trumpiste encore fâché contre la France d’avoir refusé l’invasion du Chirak sous Lirac (ou l’inverse). Eh bien, j’ai retrouvé beaucoup des personnages de ce mariage dans ce film.

Gigi

★★★⭐︎ Pour me rincer le cerveau de cette succession de films mâles-eureux avant l’atterrissage, quoi de mieux que Gigi ? Qui n’aime pas Gigi ?

Grand classique de Vincente Minelli (1958), neuf Oscars, et kinda la suite commerciale directe de My Fair Lady (une grosse partie de la même équipe derrière, quasiment le même pitch) mais transportée de Londres à Paris. C’est à dire, au lieu que tout le monde dans le film soit pincé du cul, tout le monde dans le film est obsédé par le cul.

C’est une histoire d’amitié tendancieuse entre Gaston, un queutard blasé trentenaire qui ne sait plus comment gaspiller la fortune dont il a hérité, et Gigi, une adolescente qui se fait éduquer par sa grande tante courtisane à devenir une parfaite petite pute pour la haute société parisienne des années 1900… Euh, mais non, revenez, je vous jure, c’est pas ce que vous pensez ! (C’est tout ce que vous pensez.)

Il y a vingt-cinq ans, Gigi était une comédie musicale charmante mais quand même un peu chelou ; rien que la fameuse introduction crypto-pédophile Thank heaven for little girls de Maurice Chevalier me faisait déjà lever un sourcil jusqu’au plafond. Confronté aux sensibilités du XXIème siècle, le film devient com-plè-tement ma-boule. Je n’ose imaginer si la jeunesse américaine retombait dessus aujourd’hui. Ouyayaye, que dirait-elle ? Neuf Oscars !

Je n’y avais jamais pensé auparavant mais je soupçonne que La France, et son image dans la culture populaire mondiale, et l’accent français stéréotypé d’Hollywood, doivent beaucoup à ce film en particulier, surtout qu’il arrive quasiment en même temps que Saint-Tropez et Bardot. Alors qu’en vrai, je m’insurge : la France du XXème Siècle n’était pas du tout un pays #MeToo, on le saurait !

Pépé le Putois est une parodie des rôles de Maurice Chevalier à Hollywood, mais la ressemblance n’est jamais aussi frappante que dans ce film (malgré l’âge de l’acteur à l’époque). Je ne sais pas si le roman original signé Colette a un penchant plus féministe et libéral que le film (écrit par des mecs) ; je le soupçonne car on sent que les personnages féminins ont un petit quelques chose en plus, par rapport à beaucoup de rôles féminins de cette époque d’Hollywood, mais trop peu exploité dans le film.

Ce que je continue de trouver génial dans Gigi, et assez fidèle au souvenir des quelques bouquins de Colette que j’ai lus au collège, c’est le côté picaresque de ses personnages, qui refusent de se plier à la bienséance de l’époque. Globalement, tous les personnages du film sont odieux et néanmoins sympathiques. Dans leur monde, le pire crime qu’on puisse commettre, c’est de manquer de panache, ou de ne pas être intéressant. Du coup, comme tous les personnages sont pétris de défauts, ils débordent aussi de personnalité, qu’on devine parfois en deux lignes de dialogue.

Ça ne fonctionnerait pas sans le charme des interprètes. J’adore l’acteur Louis Jourdan (Gaston), en premier lieu parce que c’est l’un des meilleurs méchants de Columbo. Il est parfait ici en type concrètement infecte et problématique mais avec qui on aimerait volontiers prendre un verre ou trente. Maurice Chevalier est hilarant en Obi-Wan de la quéquette, et Leslie Caron réussit globalement le difficile jonglage de faire croire à une Gigi innocente mais pas naïve, jeune mais pas puérile, et à manipuler l’âge ambigu du personnage dont on pige jamais trop si elle a treize ou dix-sept ans (comme si cela atténuait le problematicus). On sent que tous les acteurs ont un CV de théâtre ou de Music Hall : sans sombrer dans les chorégraphies d’arts martiaux de Singin’ in the Rain, les acteurs et actrices s’accaparent l’espace du studio de façon épatante – et je dis « studio » mais plein de scènes ont été filmées sur de vrais sites parisiens aujourd’hui disparus, ou complètement transformés comme chez Maxim’s (bonus tourisme).

Mon seul véritable problème avec cette comédie musicale – enfin… à part le… Tous les… Vous voyez, quoi – c’est que je ne suis pas fan des chansons. Elles sont pas mal, et certaines sont intéressantes dans leur structure ou leur concept, mais les morceaux sont globalement beaucoup moins catchy que ceux de My Fair Lady. Ça m’a frappé pendant ce visionnage mais le Beauty & the Beast de Disney s’est énormement inspiré de Gigi : pas seulement le (Maurice) chandelier, mais même la structure et l’instrumentalisation de certains morceaux (sans doute pour faire « français comme Gigi »). Eh bah, je préfère les ersatz de Disney.

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L’album date de 84, Frankie Goes to Hollywood s’est déjà séparé quand les parents meurent, donc ça ne me choque pas (c’est pas les poster de The Thing dans les chambres des gamins de Stranger Things). Il suffit qu’il ait entendu des Karen sur la BBC parler d’à quel point ce groupe était une mauvaise influence sur la jeunesse, faire le lien avec sa sexualité naissance pour savoir que l’album parlait de lui, et à ce stade l’album devait être disponible en occase facilement ?

Ah oui, c’est pas le défi chronologique qui m’interloque : par exemple, il a plein de posters des PSB dans sa chambre et ses parents sont obviously (et obliviously) fans – sa mère chante Always on My Mind le soir de Noël et on peut supposer que c’est grâce à la reprise des PSB qui tournait sûrement en boucle à la radio, plutôt que l’original de Willie Nelson.

On peut même supposer que les parents ont l’album Pleasuredome à la maison ; même si Frankie Goes to Hollywood était moins « discret » que PSB, ça reste un gros succès commercial. Je pensais plus au schéma de comment un gosse consommait habituellement de la musique dans les années 80 ; il a douze ans max quand il a déjà l’album – on peut même soupçonner que ça fait un bail qu’il l’a.

Perso dix, douze ans est effectivement l’âge où je commençais à acheter plein de CD que mes parents n’auraient jamais achetés. Mais le gosse est plutôt de la génération technologique de mon plus jeune oncle et j’ai pas l’impression que les gosses de cette époque achetaient des albums complets en vinyles – surtout avec l’avènement du Walkman et des cassettes pour écouter tes trucs dans l’intimité de ta chambre. Passons outre l’éveil musical du gamin qui écoute déjà PSB et Frankie plutôt que des trucs un peu plus ciblés FM, mon oncle avait surtout des LP (enfin des 45 tours) à l’époque.

Un album complet, ça implique quand même une passion et un investissement – dans tous les sens du terme – qui m’impressionnent pour un gamin. Faut effectivement qu’il ait compris en quoi l’album lui parlait de lui, et c’est possible que le gamin pour pleins de raisons soit plus éveillé et sensible que la moyenne. Moi, j’étais complètement con à douze ans, les sous-entendus de n’importe quelle chanson me passaient encore au dessus de la tête, même Tirelipinpon sur le Chihuahua était trop subtil…

Pour des raisons à la fois pratiques et économiques (il vient clairement d’une famille prolo qui vote Labour à l’époque de Kinnock), j’ai du mal à imaginer le gosse acheter (il avait même pas 5£ pour prendre le train quand il fugue, rappelle-toi) puis écouter full blast Pleasuredome dans sa chambre. Mais si c’est le cas, j’espère pour lui qu’il avait accès au Fruitness Mix.

Enfin je suppose qu’il y a plein d’éléments semi-autobiographiques dans le scénario, donc c’est sûrement une core memory du scénariste ou du réalisateur. Peut-être qu’il a chourré l’album à ses parents. Maintenant que j’y pense, c’est peut-être justement son cadeau de Noël et le détail (ou au moins la possibilité) m’a échappé pendant le film.

Je sais pas ce que le prix d’un album représentait pour une famille de ce niveau économique à cette époque, mais ça me paraît pas délirant quand même, il a eu 3 ans pour, par exemple, le demander à ses parents quand ils passaient devant le rayon 33t au supermarché (c’est un gros succès, pas confidentiel du tout) ou le chopper en occase/à prix réduit (les 45t m’ont toujours paru un mauvais investissement en tant que rapport quantité/prix, je ne me souviens pas en avoir jamais eu, et je peux imaginer que c’est le genre de raisonnement qu’un gamin de famille peu aisée aurait ?).
Je suis un poil plus jeune que le personnage mais je me souviens qu’à 12 ans j’avais une tonne de 33 tours (surtout que j’ai jamais aimé les cassettes donc les 33t se sont vite retrouvés à pas cher). Pas des trucs ultra confidentiels, principalement des choses du top 50 (bon, aucune idée comment je me suis retrouvé avec The Language of Life d’EBTG par contre), mais c’est précisément ce que Relax était (le plus gros succès sur l’année alors que/justement parce que c’était banni par la BBC à ce moment).

Pour la version de Always on my Mind des PSB, je ne me souviens plus si c’était un épisode de British Canon ou de Todd in the Shadows qui expliquait que ça a commencé comme une reprise ponctuelle pour un spécial BBC pour l’anniversaire de la mort de Presley, mais elle a eu tellement de succès qu’ils ont sorti le single (la chanson n’est sur aucun album de l’époque) et le single était un succès monstrueux, absolument partout pendant le mois de décembre 87, au point que c’est entré dans le canon des « chansons de Noël » anglaises, même si la chanson en soi n’a rien à voir avec la saison. Il y a bien sûr le double sens queer pour les gens qui sachons, mais pour le grand public anglais, c’était un truc absolument mainstream et un élément datant « Noël 87 ».

Je repense à « heureusement que Paul Mescal n’est pas mort/oh zut ». Perso, je savais déjà (la meuf dans le roman japonais s’est suicidée à cause de harcèlement au travail je crois ?) mais les quelques citations de Jacob’s Ladder (le bain, le K-hole quand ils vont en boîte, les visages distordus dans le métro) soulignaient encore plus dans quelle direction ça allait (j’ai beaucoup aimé que les citations soient inversées par rapport aux scènes de Jacob’s Ladder : le bain est une scène paisible, la boîte est un retour en arrière au lieu d’une tentative d’avancer, et le visage distordu dans le métro est le sien au lieu des autres passagers).
Mais au final, la mort rétrospective de Mescal est nécessaire au personnage pour souligner le type d’aliéation différent-mais-similaire de sa génération par rapport à celle d’Andrew Scott, le déplacement de la position de pariah de la famille à un simple éloignement poli vers la périphérie pendant que les enfants hétéros qui se reproduisent occupent le devant de la scène. C’est moins vulgaire, plus socialement acceptable dans des familles plus libérales, mais c’est juste que la facade a été repeinte. Ça, plus la promiscuité aliénante (clairement, il couche avec n’importe qui, mais c’est évident que c’est pas ça qu’il recherche et il n’arrive pas à former de connexion avec) qui se conclue par le fait que personne ne s’est inquiété de sa disparition. S’il avait été en vie, le personnage aurait juste été un prince charmant qui vient sauver le personnage principal de ses problèmes, ce qui aurait été limite insultant pour les dépressifs je pense.

Il me semble que le film japonais se concentre sur les parents, ça se termine sur le repas avec les parents (sans qu’ils disparaissent) et la meuf est juste là pour mener le gars vers les parents, alors que le film anglais inverse les importances respectives pour parler d’un truc moins… euh… Shôwa.
Tout ça pour dire qu’apparemment Mescal joue le personnage principal de Gladiator 2, donc après ça et Aftersun il a l’air bien parti pour remplacer Pedro Pascal dans le rôle du hot daddy qui meurt à la fin dans les 10 prochaines années.

EDIT Ah, et aussi, les deux seules chansons du film datant d’après 87 sont toutes les deux dans la fête, d’abord I Want a Dog pour en rajouter une couche sur la solitude-dans-un-endroit-plein-de-monde, et Death of a Party quand il fait sa réaction au special K. Et les dates des chansons respectivent jouent aussi un rôle narratif évident.

Je vais quand même foutre ça en balise spoil car le film est récent et fonctionnera beaucoup au bouche à oreille. (On parle toujours de All of Us Strangers, hein, pas de Gigi. T’as quoi contre Gigi ? Suffer like Gigi did!)

En fait…

En fait, c’est tellement obvious rapidement que le voisin est « un fantasme » (limite son état de santé on s’en fout*) – je dirais qu’on pige vers le premier tiers du film quand le voisin est toujours là pile au bon moment juste après les visites aux parents (et qu’il n’interagit jamais avec le reste du monde réel) – que j’ai été très agréablement surpris par la scène où ils vont « visiter » les parents et que le voisin fuit terrifié parce qu’il comprend qu’il traîne avec un fou.

C’est là que j’ai pour la première fois accepté l’idée « ah mais merde en fait, le voisin est un gars normal !? » et je trouvais ça doublement super. D’abord parce que je me suis senti bien feinté, et que je me suis dit « OK j’étais à peu près aussi paumé que le protagoniste ». Mais surtout parce que ça aurait raconté un truc très intéressant sur le protagoniste, qui a désormais une relation plus concrète et réaliste et des conversations plus tangibles avec ses parents défunts qu’avec le seul véritable être humain qui interagit avec lui, et qu’il vient peut-être de louper sa bouée de sauvetage vers le monde réel parce qu’il ne touche clairement plus terre. Voilà, du coup j’ai été très déçu que ne ce soit pas ça au final.

*Evidemment dans l’absolu on s’en fout pas, la trajectoire tragique du voisin raconte une autre direction que le protagoniste aurait très bien pu (et pourrait malheureusement toujours) prendre. Mais disons que, dans le chemin du héros, le plus important est de savoir si le voisin BG est une réelle porte de sortie vers la réalité ou un juste autre pan de sa démence. Donc le bilan serait le même si le voisin était toujours vaillant mais inaccessible parce qu’il préfère fort logiquement pécho un mec plus sain d’esprit.

(J’avais complètement oublié que c’était un tube d’Elvis à l’origine, tiens.)

Ma nouvelle série passion, qui se passe au Parlement Européen, c’est vraiment très drôle, les acteurs sont excellents, et on apprend des trucs sur l’Europe et le bordel que ça engendre. Je vous invite à regarder les deux premiers épisodes comme ça vous pourrez m’expliquer les trucs que j’ai pas compris :sweat_smile:

Je découvre le boulot de montage Jonas Hollerup Helle, artiste qui s’amuse à créer avec un soin remarquable des rencontres imaginaires à partir d’interviews qui n’ont rien à voir.

Très peu d’IA comme il l’explique ici :

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Sa jeune œuvre compte aussi des ballades à cheval dans Red Dead Redemption 2 (ah ?) et des neons dans des saunas (ah bon ?)

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Ah la bonne époque où Golan et Globus jouaient encore les nababs du 7ème art. Le plus énorme ça reste quand même le teaser du King Lear de Godard, plus proche de Highlander que de la Chinoise, il faut bien l’avouer.

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@nova Sacré Don ! Je me demande combien il touchait pour ce genre de produit B2B. J’aime beaucoup le pitch de Masters of the Universe avec des jouets. The Company of the future.

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